E-148
Acrylique et techniques mixtes sur toile
Signée, titrée et datée 1969 au verso, encadrée
Dimensions de l'œuvre
Peinture : H. 127cm x L. 127cm (50" x 50")
Avec le cadre : H. 132cm x L. 132cm (52" x 52")
Provenance : Une étiquette de D. Wigmore Fine Art, Inc. de New York est apposée au dos de l'œuvre.

Tadasky (Tadasuke Kuwayama) est né à Nagoya, cadet d'une famille de onze fils. Son père possédait une entreprise de construction prospère, spécialisée dans la construction de sanctuaires shintoïstes selon la méthode traditionnelle. Il s'agit d'une profession privilégiée et respectée qui exige le plus haut niveau de construction. Tadasky a passé de nombreuses heures dans l'atelier de menuiserie familial et a appris les techniques de menuiserie soigneusement gardées par les artisans talentueux qui travaillaient sous les ordres de son père. La symétrie de l'architecture shintoïste lui a laissé une impression durable et il s'est inspiré de cette influence et de ces connaissances tout au long de sa carrière.

Pour moi, regarder une de mes peintures, c'est comme entrer dans un sanctuaire shintoïste traditionnel. Leur simplicité et leur symétrie ont un impact très fort. Je ne suis pas croyant, mais certaines personnes qualifieraient cette expérience de "spirituelle".
Entretien avec Julie Karabenick, 2013
Au début des années 1960, les écoles et académies d'art japonaises étaient encore assez traditionnelles et les nouveaux styles artistiques émergents étaient souvent découragés. Tadasky pensait qu'il ne pourrait pas réaliser son rêve et peindre en utilisant principalement des formes géométriques. C'est pourquoi, en 1961, il a décidé d'émigrer aux États-Unis avec un visa d'étudiant. Peu après son arrivée en Amérique, il participe à un concours organisé à l'Art Students League où il remporte le premier prix et obtient immédiatement une bourse d'études. Il est également repéré par le directeur de l'école d'art du musée de Brooklyn, qui lui offre une autre bourse. Cependant, malgré la gratuité des frais de scolarité, Tadasky doit compléter ses revenus, ce qu'il fait en utilisant ses talents de menuisier pour fabriquer des châssis pour d'autres artistes tels que Jasper Johns, Roy Lichtenstein et les galeries new-yorkaises Betty Parsons et Leo Castelli.

Tadasky a été profondément impressionné par les formes modernes de l'architecture new-yorkaise et a été inspiré pour consacrer sa peinture aux formes géométriques, en particulier au cercle. Il a particulièrement apprécié ses études à l'école d'art du musée de Brooklyn, car elles lui permettaient de travailler depuis son atelier à domicile, où il pouvait passer de longues heures à peindre sans les contraintes de l'emploi du temps de l'école. Pour réaliser son rêve de peindre autant de cercles concentriques parfaits que possible, il a mis au point un outil particulier. Tadasky a construit une surface ressemblant à un plateau tournant où la toile est posée à plat et sur laquelle plane un banc étroit sur lequel il s'assoit. Il place alors soigneusement son pinceau sur la surface de la toile et peint tout en la faisant tourner régulièrement ; un processus qui exige beaucoup de constance, de concentration et de contrôle. En 1964, il parvient à maîtriser sa roue, ce qui lui permet de commencer à expérimenter la juxtaposition de couleurs vives dans des cercles concentriques.

La même année, le travail de Tadasky est présenté dans l'article du magazine Life intitulé "Op Art : A dizzying fascinating style of painting (Un style de peinture fascinant et vertigineux) et commence à être étroitement associé au mouvement Optical Art. William Seitz (1914-1974), conservateur du Musée d'art moderne, visite l'atelier de Tadasky et choisit six peintures pour l'exposition phare du MoMA "The Responsive Eye" en 1965. Immédiatement, de nombreux collectionneurs d'art importants se procurent ses œuvres, le MoMA acquiert deux de ses peintures pour sa collection permanente et la célèbre Kootz Gallery, qui voit son potentiel, organise deux expositions personnelles qui remportent un vif succès.

En 1966, il retourne au Japon et organise une exposition personnelle à la Tokyo Gallery, à Tokyo. Yoshihara Jiro (1905-1972), le fondateur du mouvement Gutai, assiste à l'exposition et achète plusieurs œuvres. Les deux hommes se sont trouvés des points communs grâce à leur préoccupation pour le cercle et Tadasky a été invité à rejoindre le désormais célèbre mouvement Gutai, ce qui lui a donné l'occasion d'organiser une exposition personnelle à la Pinacothèque Gutai d'Osaka plus tard dans l'année.

En 1969, Tadasky achète un immeuble de sept étages à Soho, à New York, où il vit et sous-loue des espaces à d'autres artistes. En 1972, il construit un grand four dans le sous-sol de l'immeuble, qui devient le Grand Street Potters, le plus grand four de New York à l'époque. Pendant cette période, il expérimente la poterie, mais revient bientôt à la peinture et commence à utiliser la technique de l'aérographe pour donner une finition douce et diffuse à ses cercles jusqu'alors très nets.

Entre 1986 et 1993, il a vécu et travaillé au Japon où il a continué à utiliser des cercles peints à l'aérographe, parsemés de points et de carrés qui se chevauchent. La création de ces œuvres exige une profonde concentration avant de commencer et Tadasky déclare qu'il garde une image claire de l'œuvre finie dans sa tête tout au long du processus créatif, ne s'arrêtant pas avant de l'avoir achevée. Pour lui, le processus de peinture est une expérience joyeuse.

Lorsqu'il écrit sur l'œuvre de Tadasky, Donald Kuspit (né en 1935), le célèbre critique d'art américain, souligne : les cercles sont de pures abstractions modernes, mais la combinaison des anneaux concentriques aux couleurs vives centrés dans la toile carrée rappelle les mandalas, invoquant une connotation spirituelle, une sensibilité zen.

Tadasky est toujours actif aujourd'hui et continue d'utiliser sa technique originale de table tournante et de banc. Il possède des ateliers à Chelsea, Manhattan et à Ellenville, New York.

Des œuvres de l'artiste se trouvent dans les collections de :

Albright-Knox Gallery, Buffalo, New York
Musée d'art de Baltimore, Baltimore, Maryland
Blanton Museum of Art, Université du Texas à Austin
Musée d'art de Boca Raton, Floride
Université de Brandeis, Waltham
Musée d'art de Columbus, Columbus, Ohio
Fralin Museum of Art, Université de Virginie, Charlottesville
Gutai Pinacotheca, Osaka
Hallmark Art Collection, Kansas City Missouri
Harvard Art Museums, Cambridge, Massachusetts
Indianapolis Museum of Art, Indianapolis, Indiana
JPMorgan Chase Art Collection, New York City
Krannert Art Museum, Université de l'Illinois à Urbana-Champaign
Lowe Art Museum, Université de Miami, Floride
Musée d'art contemporain de Buenos Aires, Argentine
Musée d'art contemporain, Nagaoka
Musée des beaux-arts, Houston, Texas
Musée d'art moderne, New York
Musée d'art de la ville de Nagoya, Nagoya
Musée d'art Ohara, Kurashiki
Phoenix Art Museum, Phoenix Arizona
Musée d'art de l'université de Princeton, Princeton, New Jersey
Galerie Roland Gibson, Université de l'État de New York à Potsdam
Rose Art Museum, Brandeis University, Waltham, Massachusetts
Sheldon Museum of Art, Université du Nebraska, Lincoln
Université de l'État de New York, Potsdam
Musée de la ville de Takamatsu, Kagawa
Université de l'Illinois, Champaign
Musée d'art de l'Université de l'Iowa, Iowa City
Université de Miami, Miami
Université de Nebraska, Lincoln
Musée d'art de l'université de Virginie (The Fralin), Charlottesville
Galerie d'art de l'université de Yale, New Haven, Connecticut

Expositions individuelles sélectionnées :

1965 Kootz Gallery, New York
1966 Tokyo Gallery, Tokyo
Gutai Pinacotheca, Osaka
1967 Galerie Fischbach, New York
1969 Galerie Fischbach, New York
1970 Galerie Artisan, Houston
1989 Galerie de Tokyo, Tokyo
2008 Sideshow Gallery, Brooklyn
2012 David Richard Gallery, Santa Fe
2015 D. Wigmore Fine Art, New York City

Expositions de groupe et récompenses sélectionnées :

1965 The Responsive Eye, Museum of Modern Art, New York
L'art cinétique et optique aujourd'hui Albright-Knox Gallery, Buffalo
Points forts de la saison artistique 1964-65, The Larry Aldrich Museum, Ridgefield
Peinture et sculpture américaines contemporaines, Krannert Art Museum, Champaign
Artistes japonais à l'étranger, Musée national d'art moderne, Tokyo
Pop and Op, exposition itinérante, Castelli Gallery, New York
Kinetics and Optics, exposition itinérante, Museum of Modern Art, New York
1966 Annual Exhibition of Painting and Sculpture, Pennsylvania Academy of the Fine Arts, Philadelphie
The New Japanese Painting and Sculpture, exposition itinérante, The Museum of Modern Art, New York
Prix des arts créatifs, 1957-1966, Rose Art Museum, Waltham
1967 17e Susakuten annuel, Asahi Shinbun, Tokyo
Collection de la famille Harry N. Abrams, Musée juif, New York
1968 Hommage à Albers, Galerie d'art de l'Université de Washington, Saint-Louis
1969 Peintures de la collection de la Albright-Knox Gallery, Musée national d'art, Buenos Aires
1972 Recent Accessions, 1966-72, Indianapolis Museum of Art, Indiana
1977 La collection James A. Michener : Peintures américaines du vingtième siècle, University Art Museum, University of Texas, Austin
William C. Seitz Memorial Collection, Princeton University Art Museum
2004 Twister : Moving through Color, Blanton Art Museum, Austin
2005 Extreme Abstraction, Albright-Knox Gallery, Buffalo
2006 Op Art Revisited, Albany State Museum, Albany
2007 Optic Nerve : Perceptual Art of the 1960s, Columbus Museum of Art à Columbus, Ohio
Musée d'art du comté de Nassau, Roslyn, NY : "Pop et Op".
Liberté d'expérimenter : American Abstraction, 1945-1975, D. Wigmore, Fine Art Gallery, New York City
2008 Resounding Spirit : Japanese Contemporary Art of the 1960s, exposition itinérante, Gibson Gallery et State University of New York, Potsdam
Pop et Op, Musée d'art du comté de Nassau, Roslyn
Four Optic Visionaries, D. Wigmore Fine Art, New York
2009 Exploration du noir et blanc : Des années 1930 aux années 1960, D. Wigmore Fine Art, New York
2011 Structured Color, D. Wigmore Fine Art, New York
2012 A Global Exchange. Geometric Abstraction Since 1950, Museo de Arte Contemporaneo de Buenos Aires, Argentine
Adaptation et adoption, Lowe Art Museum, Coral Gables, Floride
2013 Dynamo : Espace et vision dans l'art, d'aujourd'hui à 1913, Grand Palais, Paris
Gene Davis-Tadasky : Time, Dimension and Color Explred, D. Wigmore Fine Art à New York.
2015 "The Responsive Eye" Fifty Years After, David Richard Gallery, Santa Fe
L'Op Art en Amérique, Hallmark Art Collection, Kansas City
1960s Hard Edge Painting, D. Wigmore Fine Art, New York
Geometric Obsession, Museo de Arte Contemporaneo de Buenos Aires, Argentine
2016 The Illusive Eye : an International Survey on Kinetic and Op Art, El Museo del Barrio, New York