Sans titre

Technique mixte sur toile de jute

Signé Suda Kokuta, daté 1959.10.8 et portant l'adresse au verso.

Dimensions : H. 91cm x L. 73cm (36" x 28¾) H. 91cm x L. 73cm (36" x 28¾")

Provenance : Collection privée, Osaka, Japon

Comme beaucoup d'artistes, Kokuta Suda s'est passionné pour l'art dès son plus jeune âge. Son rêve de devenir artiste n'était pas partagé par son père, qui ne le soutenait pas dans son choix de carrière. Sur le plan académique, il était l'un des élèves les plus doués de son école. Cependant, au cours de son adolescence, Suda a souffert de graves problèmes rénaux qui l'ont contraint à quitter l'école et à se rendre à Karuizawa, une station thermale réputée pour l'air pur de ses montagnes. Il a souffert dans un état critique pendant trois ans, ce qui lui a fait perdre peu à peu son enthousiasme pour tout ce qui n'était pas la peinture. La beauté de la nature à Karuizawa, en particulier la vue sur le mont Asama, l'a convaincu de devenir un artiste et cette passion lui a donné une forte volonté de survivre. Il a finalement vaincu la maladie, mais cette expérience mortelle l'a hanté pour le reste de sa vie, laissant Suda physiquement faible et peu sûr de lui.

Déterminé à devenir un artiste, il tente d'entrer à la prestigieuse école des beaux-arts de Tokyo (Tokyo Bijutsu Gakko), mais sans succès. Il échoue quatre fois de suite. Cet échec peut cependant être considéré comme un résultat positif, car il peut désormais travailler librement sans être soumis au dogme de l'établissement. Selon Kotaro Nagahara (1864-1930), professeur à l'école des beaux-arts de Tokyo à l'époque, le style de dessin individualiste et excentrique de Suda était la principale raison du rejet. Bien qu'il sache que cela pourrait être un désavantage pour les examens d'entrée, Suda est déterminé à s'en tenir à son propre style et refuse de suivre des valeurs orthodoxes. Reconnaissant son talent, Nagahara suggère à Suda de s'installer aux États-Unis, où son travail serait mieux apprécié et où l'artiste pourrait peindre plus librement qu'au Japon.

Malgré les conseils de Nagahara, Suda reste au Japon et développe sa propre carrière. À la fin de la vingtaine, Suda est obsédé par les morceaux de viande, qu'il peint encore et encore pendant plusieurs années pour tenter de capturer l'essence de la chair dans sa toile. Cet étrange choix de sujet n'a été accepté par personne, sauf par Manjiro Terauchi (1890-1964). Ce maître de la peinture occidentale a vu l'une des peintures de viande de Suda lors d'une exposition collective locale et a été étonné par la puissance intense des lignes et de la texture. Terauchi encourage l'artiste débutant à varier le choix de ses sujets. À partir de cette époque, ses œuvres commencent à être exposées chaque année dans le cadre d'importantes expositions collectives et sont souvent récompensées.

Alors que Suda commence à connaître le succès, son ami proche et collègue Sadakatsu Nagafuchi se voit refuser une exposition. Ce rejet conduit Nagafuchi à se suicider et laisse Suda avec un grand sentiment de culpabilité, car il pense que c'est en partie de sa faute en raison de son succès, contrairement à son ami. Cette tragédie est un grand choc, qui conduit Suda au bord de la dépression nerveuse. En quête de salut et dans un état mental désespéré, il se rend au temple bouddhiste zen Heirin-ji où il rencontre l'abbé en chef Soetsu Mineo (1860-1954). Après cette première rencontre, il se rendit régulièrement au temple. En discutant avec Mineo et en observant les pratiques rigoureuses des moines, il finit par découvrir la paix de l'esprit dans le bouddhisme zen. Il a 29 ans et son esprit commence à s'ouvrir. Malgré ses expériences traumatisantes, sa rencontre avec le bouddhisme zen lui permet d'évoluer et de passer à l'étape suivante en tant que personne mais aussi en tant qu'artiste.

Un an plus tard, à l'âge de 30 ans, ses œuvres sont acceptées pour l'exposition Bunten (plus tard Nitten) de 1936, l'exposition la plus réputée au Japon pour la première fois. Les années suivantes, il remporte des prix lors d'expositions nationales. Il commence à avoir un petit groupe de collectionneurs et gagne un mécène qui lui offre une allocation. Suda n'étant pas intéressé par la vente de ses œuvres ou tout autre aspect commercial, ce soutien de base lui a donné de la liberté et lui a permis de se concentrer sur le développement de son propre style, sans se soucier des finances ou des tendances du marché. Pour rechercher ce qu'il considérait comme le véritable art et se rapprocher de son objectif artistique, il luttait quotidiennement pour transmettre son âme directement sur la toile, dans l'espoir de toucher profondément ou même d'éclairer le spectateur.

En décembre 1941, le Japon entre dans la Seconde Guerre mondiale. Depuis sa rencontre avec Mineo au temple Heirin-ji, Suda se renseigne sur les temples historiques de Nara et de Kyoto. Face à l'évanescence possible du monde qui l'entoure, son désir de voir les anciennes images bouddhistes conservées dans ces vieilles capitales se fait de plus en plus pressant et il s'installe finalement dans la région du Kansai. Dès son arrivée à Nara, Suda est captivé par les temples historiques tels que Todai-ji et Shinyakushi-ji et commence à peindre assidûment les sculptures bouddhistes qui y sont conservées.

Il se lie d'amitié avec Ryusho Fukuoka, le prêtre en chef du temple Shinyakushi-ji, et est autorisé à séjourner dans l'un des logements des prêtres du temple pendant deux ans. Par la suite, Kaiun Kamitsukasa (1906-1975), un prêtre qui deviendra plus tard le 206e abbé en chef du temple Todai-ji, met à sa disposition un entrepôt aux murs de boue situé dans le temple Kannon-in. Utilisant ces espaces libres dans les temples comme atelier et logement, il passe ses journées à peindre des objets bouddhistes. Il était profondément attiré par la puissance de ces sculptures et essayait d'exprimer leur vitalité intemporelle à travers son travail. Malgré la pénurie de matériel de peinture pendant la guerre, Suda a continué à peindre en utilisant, au besoin, du papier japonais et de l'encre provenant des temples et destinés à l'origine aux sutras.

La guerre a finalement pris fin et le cercle culturel Tempyo no kai a été créé par Kamitsukasa. Convaincu que l'art et les activités culturelles sont importants pour le Japon dévasté de l'après-guerre, Suda y participe et rencontre de nombreux artistes, photographes et romanciers qui se réunissent au Kannon-in, qui fait office de salon culturel. Inspiré par ces rencontres, Suda se familiarise également avec la culture traditionnelle japonaise, notamment le théâtre nô et la cérémonie du thé, et devient de plus en plus perspicace.

Malheureusement, c'est à cette époque que son parrain décède, laissant Suda sans revenus. Heureusement, il a été invité à devenir enseignant à temps partiel dans une école primaire, ce qui lui a permis de gagner suffisamment d'argent pour vivre en tant qu'artiste indépendant. Il est émerveillé par la liberté d'expression et la créativité des enfants. Leurs œuvres sont beaucoup plus puissantes que celles des adultes et, malgré leurs lignes grossières, les dessins des enfants sont très attrayants. Lorsqu'il enseignait à des élèves plus âgés, il les incitait à développer leur propre style, à être uniques et différents des autres, insistant sur l'importance de l'individualité. Tout au long de sa vie, il a beaucoup apprécié la puissance des œuvres primitives et a reconnu des similitudes entre les poteries Jomon datant de 14 500 ans avant J.-C. et les lignes tracées par les enfants.

En 1949, lors d'une discussion dans un cercle artistique, Saburo Hasegawa (1906-1957), l'un des pionniers de la peinture abstraite japonaise, suggère à Suda d'étudier les enseignements du moine Dogen (1200-1253), auteur du Shobogenzo, l'essence de l'illumination, littéralement traduit par Trésor de l'œil du Dharma véritable. Apparemment, il a trouvé que c'était le texte philosophique le plus difficile qu'il ait jamais lu. Fasciné par ce texte et désireux de comprendre pleinement les idées du prêtre légendaire, il a lu ce recueil d'essais de manière répétée et intense, ce qui lui a permis de plonger au plus profond de lui-même et de mieux comprendre les qualités abstraites du zen. Une qualité qu'il a ensuite essayé de transmettre dans son propre travail, qui est passé de la représentation à l'abstraction, l'inspirant à exprimer ses pensées intérieures sous une forme concrète. Ce nouveau mode d'expression l'enthousiasme. Suda étudia le Shobogenzo jusqu'à la fin de sa vie et le considéra comme une source constante de soutien théorique pour ses peintures abstraites, sur lesquelles il commença à travailler en 1949.

En 1950, Suda écrit son premier essai sur l'art, consacré à la calligraphie. Publié dans Shonobi (Beauty of Calligraphy), il partage des idées importantes avec son principal collaborateur, Shiryu Morita (1912-1998), calligraphe d'avant-garde et ami proche de Franz Kline. En écrivant ses idées, Suda a progressivement établi sa théorie de l'art abstrait. Il pensait que les lignes étaient une sorte de langage global et qu'elles étaient en fait un autoportrait des calligraphes eux-mêmes. Dès le début, Suda a accordé une attention particulière aux lignes - certaines de ses peintures figuratives ont une qualité sculpturale en raison de la présence de lignes fortes. Il était donc naturel qu'il soit intrigué par la calligraphie en tant que forme d'art.

En 1955, son ami et collègue Jiro Yoshihara (1905-1972) l'invite à rejoindre le nouveau groupe d'avant-garde Gutai, mais il refuse, préférant rester indépendant dans son processus créatif. Son statut d'artiste au Japon s'améliore et il est invité à présenter ses œuvres lors d'expositions à l'étranger. Il représente le Japon à la 4e biennale de Sao Paulo en 1957, puis à la 11e exposition internationale d'art Plemio Resonne d'Italie et de Houston (États-Unis) en 1959, à l'exposition internationale Carnegie de Pittsburg (États-Unis) en 1961, et enfin en Allemagne de l'Ouest.

Suda poursuit dans cette voie jusqu'en 1971, date à laquelle on lui demande d'illustrer une nouvelle série d'essais de voyage intitulée Kaido o yuku (Aller le long de la route), écrite par le célèbre auteur Ryotaro Shiba (1923-1996). Après s'être concentré sur un style abstrait pendant plus de 20 ans, mais n'ayant jamais eu peur d'essayer quelque chose de nouveau, Suda est revenu à la représentation figurative, mais cette fois-ci, une trace d'abstraction est restée sur sa toile et il a aimé mélanger les deux styles, découvrant que les peintures abstraites et figuratives n'étaient pas contradictoires et pouvaient en fait coexister avec bonheur. La collaboration entre Suda et Shiba a été très fructueuse. La série, avec son texte brillant décrivant la vie au Japon pendant la période Showa, accompagné d'illustrations inspirantes, a connu un énorme succès et a marqué le début d'une relation de vingt ans au cours de laquelle les deux artistes ont beaucoup voyagé, d'abord à travers le Japon, puis en Corée, en Chine, en Mongolie et en Europe. Au total, Suda a réalisé 897 illustrations pour la série, ce qui lui a valu une reconnaissance et une renommée nationales.

À cette époque, il a amélioré sa connaissance et sa technique de la calligraphie et commence à utiliser un jeune pinceau de bambou épais pour exprimer des mots philosophiques avec des lignes dynamiques pleines de vitalité. Son obsession pour la qualité du trait, son talent de peintre et sa forte spiritualité lui valent bientôt d'être reconnu comme un calligraphe hors pair. L'éminent calligraphe d'avant-garde Yuichi Inoue (1916-1985) a comparé Suda aux anciens maîtres Hakuin (1685-1768) et Tessai (1836-1924), tous deux renommés en tant que calligraphes et peintres.

Tout au long de sa vie, il a continué à poursuivre son propre art avec son caractère pur et passionné. Lorsqu'il séjournait dans les temples de Nara, le prêtre Kamitsukasa appelait affectueusement Suda "Zenzai Doji", ce qui signifie "enfant chercheur de vérité" dans la secte bouddhiste Kegon, et aussi "Kyojin Kokuta", ce qui signifie littéralement "Kokuta le fou". Plusieurs épisodes expliquent ces traits de caractère. Lorsque le nouveau matériau de construction qu'est l'asphalte a été introduit au Japon au milieu de la vingtaine, l'artiste a été immédiatement fasciné par ce nouveau revêtement routier et a même essayé d'en voler pour en expérimenter les qualités par lui-même. Cela lui a valu d'être arrêté et de passer plusieurs heures au poste de police local. La texture épaisse et collante l'a inspiré et on retrouve souvent des qualités similaires dans son travail. Alors qu'il vivait au temple Kannon-in au milieu des années 1940, une pluie torrentielle s'est abattue sur lui pendant plus d'une semaine. Frustré de ne pas pouvoir sortir et peindre à la lumière naturelle, il brise le mur de boue de son logement et peint à la lumière des trous. Shiba, qui connaissait très bien la vie ultérieure de Suda, commentait souvent l'apparence juvénile de Suda et ses qualités d'enfant pur - à cette époque, Suda avait 80 ans.

En même temps, il avait presque l'esprit d'un prêtre. Suda considérait son studio comme un dojo, une salle où les bouddhistes zen pratiquent la méditation immersive ou une salle d'entraînement aux arts martiaux considérée comme un espace sacré d'une importance rituelle. En effet, l'atelier était son champ de bataille spirituel - il avait besoin d'une concentration intense pour transférer sa philosophie profonde sur la toile et pour réaliser des percées dans ses créations. Son processus de peinture était extrêmement exigeant, tant mentalement que physiquement, car il se poussait toujours à la limite, essayant de révéler son monde intérieur et d'incarner la liberté spirituelle dans son travail. Il a également continué à utiliser les périodes douloureuses de sa jeunesse comme un outil puissant. Son ami et collègue artiste Kenkichi Sugimoto (1905-2004) a un jour comparé Suda à un volcan vivant, d'apparence douce mais contenant un magma brûlant à l'intérieur, une substance qui possède un niveau exceptionnel de vitalité et qui pourrait détruire sans crainte toute valeur fixe.

Au cours des dernières années de sa vie, il a déclaré qu'il avait enfin l'impression de maîtriser les médiums qu'il avait choisis, à savoir la peinture à l'huile et l'encre. Il a passé ses derniers jours à dessiner depuis son lit d'hôpital, mettant toute son énergie dans cette œuvre. Il meurt le 14 juillet 1990 à l'âge de 84 ans, après une vie consacrée à la pratique de l'art et à ses qualités spirituelles. Son œuvre possède un pouvoir magnétique durable et l'incarnation de sa philosophie nous éclaire encore aujourd'hui.